Vous trouverez ci-dessous la suite des nos articles sur la composition musicale.  Bonne lecture et surtout, bonne pratique musicale !

Musicalement,

Dominique Vandenneucker
Concepteur de Pizzicato

Théorie et pratique de la composition musicale...

Mieux utiliser Pizzicato...

Cours de musique...

La gamme des produits...

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En théorie, on pourrait écrire n'importe quelle composition avec n'importe quelle mesure. Une valse pourrait être écrite en 4/4 ou en 5/8 sans trop de problèmes. Mais dans ce cas la représentation écrite de la composition ne cadrerait pas avec la structure temporelle réelle d'une valse, basée sur 3 temps.

Comme nous l'avions vu, le temps ou le battement sont définis comme l'unité temporelle sur laquelle on structure le morceau. C'est la première décomposition temporelle de votre composition. Elle correspond souvent au battement que vous faites avec le pied pour suivre la musique.

La seconde division temporelle consiste à assembler plusieurs temps ou battements pour créer une unité plus longue afin de structurer votre composition. C'est ce qu'on appelle la mesure. La division suivante serait la découpe en introduction, refrain, couplet, final ou tout autre structure de forme d'un morceau, qui consiste à assembler plusieurs mesures.

Pour déterminer la mesure de votre composition, écoutez la mélodie, chantez-la ou jouez le rythme intuitivement et comptez le nombre de battements qui semblent créer une structure répétitive. L'exemple d'une valse est très facile : vous avez un temps sur trois qui est renforcé et qui impose dès lors une mesure basée sur 3 temps.

Les choix les plus courants sont 2, 3 et 4, mais vous pouvez trouver 5, 6 ou d'autres combinaisons. Le plus facile est de repérer en écoutant ou en jouant, le temps fort, celui qui marque habituellement le début de la mesure, qui donne l'impression qu'il commence un nouveau cycle, une nouvelle période. Comptez alors le nombre de temps qui séparent deux temps forts.

Ce nombre déterminera le numérateur de la mesure (chiffre "3" dans la mesure 3/4). Pour choisir alors le dénominateur, c'est beaucoup plus arbitraire. Si vous avez une mesure qui a deux temps, vous pourriez tout aussi bien déterminer que c'est du 2/4, du 2/2 ou même du 2/8. La seule différence sera l'utilisation des valeurs rythmiques. Si chaque mesure comporte deux notes, vous aurez dans le premier cas deux noires, dans le second cas 2 blanches et dans le troisième cas 2 croches.

En fonction de votre choix, le tempo à la noire sera donc différent. Si vous voulez 60 battements par minute, cela donne donc un tempo de 60 à la noire pour le premier cas (2/4). Cela donne un tempo de 60 à la blanche (ou 120 à la noire) pour le second cas (2/2) et un tempo de 60 à la croche (ou 30 à la noire) pour le troisième cas (2/8). Mais l'écoute de ces trois cas ne permettra pas d'entendre le choix que vous avez fait, puisque c'est simplement une convention arbitraire pour représenter la musique graphiquement.

La règle générale que l'on pourrait retirer de l'observation, serait de choisir la mesure pour avoir un équilibre des valeurs rythmiques utilisées. Si votre morceau comporte des valeurs très rapides de notes (densité rythmique élevée), choisissez plutôt du 2/8. Si c'est très lent, choisissez 2/2. Mais vous trouverez de toute façon des exemples contradictoires et un compositeur choisira pour le même morceau une mesure et un autre en choisira une autre. Donc, vous êtes libre !

Notre dernier article sur la composition musicale traitait de la division du temps en 2, 3, 4 (ou plus) éléments égaux. Cela forme les harmoniques rythmiques.

Si on prend le cas d'une mesure de 4/4 (4 temps d'une noire chacun), on peut y placer 4 noires pour former une succession de notes régulières. Ce serait l'harmonique 1, chaque temps étant présent et marquant un rythme régulier. Une composition qui utiliserait d'un bout à l'autre les 4 temps de la mesure semblerait rapidement monotone et ennuyeuse, en tout cas sur le plan rythmique.

Comment introduire de l'intérêt et de la variété rythmique dans vos compositions ? Deux directions sont possibles pour cela, en utilisant le principe des harmoniques rythmiques.

Nous pouvons d'une part varier la rythmique de la mélodie en utilisant les harmoniques rythmiques. Et d'autre part, nous pouvons ajouter un ou plusieurs instruments qui vont accompagner la mélodie principale en utilisant des harmoniques rythmiques de la mélodie. Analysons les deux cas par des exemples pratiques.

Tout ceci peut vous paraître bien simple, voire simpliste. C'est en effet simple, mais c'est une méthode pratique pour créer des mélodies et des accompagnements. Lisez ce qui suit avec l'intention bien en tête de pouvoir appliquer cela à vos mélodies.

Enrichir la mélodie avec les harmoniques rythmiques

Partons d'un exemple simple : une mélodie qui forme une gamme ascendante puis descendante.

Ecouter l'exemple...

Le principe des harmoniques rythmiques est qu'il s'agit des divisions d'une valeur de base. Ici la valeur de base est la noire. Le fait qu'il s'agit d'une division exacte crée naturellement une similarité. 2 à la place de 1, 3 à la place de 1, etc. Les valeurs qui établissent un lien facile à observer sont 2, 3, 4, 6 et 8 principalement.

Introduisons des harmoniques rythmiques 2 dans cette mélodie, tout en gardant la même succession de notes. L'harmonique deux est une division par 2 de la durée d'une note, donc ici il s'agit d'une croche. Nous obtenons :

Ecouter l'exemple...

En écoutant la mélodie, vous pouvez toujours distinguer la rythmique de base de la noire. Vous remarquez qu'il y a parfois deux notes par battement et cela ajoute de l'intérêt et de la diversité à la mélodie. Ce que je veux dire ici, c'est que l'utilisation de l'harmonique 2 n'a pas altéré la sensation première de la vitesse de base du rythme global de la mélodie. A divers endroits, la mélodie joue des noires, qui continuent à marquer le tempo général.

Qu'en est-il si on remplace toutes les noires par deux croches, donc si on remplace l'harmonique 1 par l'harmonique 2 ? On obtient l'exemple suivant :

Ecouter l'exemple...

Ici, il n'y a plus de référence à la noire et on entend plus le contraste entre les deux valeurs rythmiques. La monotonie rythmique est la même que dans le premier exemple, si ce n'est que la mélodie est jouée deux fois plus vite.

Le point à remarquer ici est que l'absence de l'harmonique 1 (la noire) a fait disparaître l'idée qu'il y a une harmonique 2 et les notes entendues pourraient elles-mêmes être considérées comme des noires jouées plus vite, comme s'il s'agissait d'une harmonique 1.

Autrement dit, ce principe des harmoniques est tout à fait relatif. On perçoit une harmonique 2 par rapport à l'harmonique 1. Si cette dernière disparaît, la relation 1 / 2 disparaît aussi.

Pour obtenir une mélodie variée, alternez les diverses harmoniques rythmiques. Les variations sont nombreuses, pratiquement infinies. En voici un autre exemple :

Ecouter l'exemple...

En l'écoutant, vous constatez qu'il y a toujours moyen de repérer facilement le battement principal. On utilise ici une alternance entre les harmoniques 1, 2 et 3.

Comme le principe des harmoniques est relatif, nous pouvons également considérer le premier exemple comme étant une harmonique 4 de la mesure complète. Une note qui durerait une mesure entière (appelée une ronde) serait alors l'harmonique 1 et les 4 noires seraient alors des harmoniques 4.

Cela donne donc un autre moyen d'utiliser les harmoniques. Utilisons par exemple l'harmonique 5 de la mesure, sur la deuxième mesure, nous obtenons un quintolet de noires (terme technique pour dire qu'il y a 5 notes à la place de 4) :

Ecouter l'exemple...

A l'écoute, l'effet est assez différent de tout ce qui précède. On a l'impression que la deuxième mesure change de vitesse, accélère, puis la mesure suivante ralenti, sans faire le lien naturel entre les harmonique 4 et 5.

De manière observable, le rapport 4 / 5 n'est pas aussi naturellement perçu que les rapports 1/2 ou 1/3, ce qui introduit une rupture du flux rythmique de la mélodie. Je veux dire par là une diminution de la compréhension de la mélodie. On ne s'attend pas à cette accélération brusque, car elle ne semble pas liée à ce qui précède. Ce fait est d'autant plus marqué qu'il n'y a pas ici d'autre instrument pour continuer à marquer l'harmonique 4 de la mesure.

Ces phénomènes peuvent donc être utilisés pour composer une mélodie. Créez par exemple une succession de notes que vous aimez. Placez-les sous forme de noires dans Pizzicato (vous pouvez réaliser cela même avec la version démo de Pizzicato).

Ensuite créez plusieurs variations en introduisant des harmoniques rythmiques 2, 3 et 4 (doubles-croches).

Nous verrons la prochaine fois l'autre aspect de l'utilisation des harmoniques rythmiques : d'autres instruments utilisant des harmoniques rythmiques de la mélodie. D'ici là, créez au moins quelques mélodies originales sur ces principes !

Dominique Vandenneucker
Concepteur de Pizzicato.

Voyez également les autres articles techniques à la page http://www.arpegemusique.com/clients4.php

• Introduisez deux doubles-croches reliées (un Do et un Sol par exemple)
• Avec l'outil des têtes de notes, (palette principale, outil avec une note en croix, une en carré,...) cliquez ces notes et choisissez le symbole d'une blanche.
• Pour mieux les répartir dans la mesure, coupez la justification automatique (case "J" dans la barre d'outils de la partition) et déplacez la seconde note vers le milieu de la mesure.

L'article "Graphisme..." du menu "Options" vous permet de choisir trois modes d'affichage des notes en couleur. Sous le choix "Utilisation des couleurs", vous pouvez sélectionner :

• Couleur noire : c'est le choix par défaut et toutes les notes s'affichent en noir

• Couleur des voix : Pizzicato permet de gérer 8 voix rythmiques et chaque voix a une couleur qui lui est propre. Dans ce mode, les notes sont colorées en fonction de leur appartenance à une voix rythmique.

• Couleur de la piste : dans la vue instruments, vous pouvez sélectionner une couleur pour chaque portée, via la dernière colonne de la configuration "Effets divers" de la fenêtre instruments. Les notes sont alors affichées avec la couleur de la portée sur laquelle elles se trouvent.

• Depuis la version 3.2, Pizzicato peut afficher les couleurs en fonction de l'accord présent (note de l'accord = vert, note de la gamme = orange, toutes les autres rouges).

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Nous avions vu qu'il y a 7 notes nommées de Do à Si. La note suivante est appelée à nouveau Do et le son qu'elle génère vibre exactement au double du son généré par le premier Do. Cet intervalle du Do au Do suivant porte le nom d'octave. De manière plus générale, l'octave est l'intervalle qui sépare une note de la prochaine note qui porte le même nom, comme par exemple du Sol au Sol suivant. En voici un exemple avec Do:

Cette série de notes de Do à Do est appelée la gamme de Do. Comme ce schéma se répète plus haut et plus bas, nous allons nous limiter à expliquer le contenu des notes de Do à Do. La même explication est valable entre deux Do successifs.

Ces notes correspondent aux touches blanches d'un clavier de piano ou d'orgue. Vous pouvez facilement les repérer en observant que les touches noires sont disposées par groupes de 2 et 3 entre les touches blanches. Les Do sont les notes qui se situent juste à gauche d'un groupe de 2 touches noires. En voici une illustration :

Les notes blanches situées entre les Do suivent le même ordre que sur la portée :

Les touches noires du clavier sont également des notes que l'on peut jouer. Elles sont situées entre certaines notes blanches. Avec 7 touches blanches et 5 touches noires, on obtient donc 12 notes différentes. La treizième note est de nouveau un Do et le même schéma se répète.

Pour lire la suite, voyez la leçon sur la gamme et les altérations sur notre site...

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Godelieve Cuylits, clarinettiste (Belgique) - "Je transpose, réduis et aide notre chef à mettre sur papier ses propres arrangements."
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