La composition musicale (4)

Notions enseignées :

• Les mélodies et les rythmes
• Générer des mélodies à l'aide des librairies
• L'instrumentation et les effets
• Règles générales pour la composition

Dans cette leçon, nous vous proposons des exercices pour stimuler votre inspiration de mélodies, de rythmes et d'instrumentations. Nous utiliserons les progressions d'accords réalisées à la leçon précédente. Vous pouvez également utiliser celles qui se trouvent dans le document Librairie d'accords - 3.piz situé dans le dossier Librairies.

Les mélodies et les rythmes

Une mélodie est une suite de notes jouées par un instrument. Une mélodie est souvent formée de phrases musicales entrecoupées de silences. On parle également d'une voix, par analogie à la voix humaine qui chante. A chaque note d'une mélodie est associée une valeur rythmique qui indique la durée pendant laquelle la note sera entendue.

De même que pour un accord, une mélodie utilisera à un moment donné les notes d'une tonalité. Lorsque plusieurs voix sont jouées ensemble et avec des notes différentes, celles-ci donnent naissance à un accord. Les notes d'un accord peuvent en effet être jouées par des instruments différents.

• Ouvrez le document Accords par tonalité.piz ainsi que le document comportant les progressions d'accords réalisées à la leçon précédente. Faites glisser les Extraits 1 à 5 ainsi que l'élément 1 ronde dans votre document et fermez ensuite le document Accords par tonalité.piz.

• Ouvrez la vue partition de l'extrait 1. Glissez l'élément 1 ronde sur la première mesure et faites de même avec une de vos progressions d'accords basée uniquement sur des accords de 3 sons. Les accords apparaissent dans les mesures.

• Vous pouvez constater que les notes des accords sont très proches les unes des autres. C'est ce que l'on appelle une position serrée d'un accord. Vous pouvez monter ou descendre des notes d'une octave ou plus afin d'obtenir une position large. Glissez par exemple la note du milieu du premier accord une octave plus haut et écoutez le résultat. L'accord reste du même type mais semble plus aéré, il possède un spectre sonore plus étendu.

• Les accords d'origine de Pizzicato sont tous dans une position serrée. En créant des progressions d'accords, les 3 ou 4 notes de l'accord sont déplacées brusquement toutes à la fois pour passer d'un accord à l'autre. C'est ce que l'on appelle un mouvement parallèle des voix. Ce mouvement est assez limité au point de vue des effets sonores. Comme chaque voix effectue le même mouvement, cela devient vite monotone et ennuyeux. L'exercice qui suit va vous aider à améliorer les progressions d'accords de manière à créer plusieurs mélodies indépendantes formées par les notes de l'accord. Pour chacune des progressions d'accords de votre document, réalisez les étapes qui suivent :

• Glissez le dossier d'accords dans la mesure 1 de l'extrait 1. Les accords apparaissent dans les mesures.

• Réorganisez les notes des accords de manière à former des mélodies. La seule modification que vous pouvez faire, c'est de déplacer une ou plusieurs notes d'une ou de deux octaves vers le haut ou vers le bas (cela correspond à déplacer la note verticalement de 7 positions sur la portée). Utilisez les règles suivantes pour améliorer les progressions et créer des mélodies:

1. Créez des mélodies avec un maximum de mouvements conjoints, c'est-à-dire des mélodies qui montent ou descendent d'une position à la fois sur la portée. Une mélodie sera souvent composée de notes conjointes qui s'alternent avec des sauts plus importants.
2. Donnez une indépendance aux 3 ou 4 mélodies. Pour cela, évitez que toutes les voix ne bougent dans la même direction. Utilisez des mouvements contraires, c'est-à-dire une voix qui monte pendant que l'autre descend.
3. Lorsqu'une note est commune entre deux accords successifs, essayez qu'elle reste à la même mélodie (par exemple la deuxième note des deux accords). Vous pouvez également les lier par une liaison de tenue de note.
4. Essayez de soigner surtout les mélodies supérieures et inférieures, car c'est elles qui se remarquent le mieux.
5. Lors des cadences V-I, utilisez de préférence la fondamentale de l'accord (c'est-à-dire la note sur laquelle est construit l'accord) à la mélodie inférieure. Cela tend à renforcer l'effet sonore de la cadence.
6. Une fois que vous êtes satisfait du résultat, vous pouvez créer un nouveau document et y glissez cet extrait pour l'enregistrer. Ensuite, recommencez avec une autre progression. Faites cela jusqu'au moment où vous pouvez le faire facilement, sans devoir chercher trop longtemps.

• L'exercice suivant consiste à créer une mélodie sur une portée séparée. Ouvrez l'extrait 2. Pour plusieurs progressions d'accords, effectuez les opérations suivantes :

• glissez un dossier d'accords dans la mesure 1 de la dernière portée. Glissez-y également l'élément 1 ronde. Les accords apparaissent.
• A l'aide de blanches ou de rondes, créez une mélodie basée sur les notes des accords. Placez ces notes dans la portée supérieure. Suivez tous les conseils donnés au point précédent pour créer vos mélodies. Veillez à séparer les hauteurs des deux mélodies, de manière à ce qu'elles soient bien distinctes à l'écoute. Laissez-vous guider également par le résultat sonore obtenu et corrigez selon votre goût.

• Même exercice, mais cette fois utilisez l'extrait 3, qui contient des portées pour créer 2 mélodies simultanées. Veillez à utiliser des notes différentes pour les deux mélodies. Vous pouvez utiliser des rythmes différents (2 blanches pour la première et une ronde pour l'autre). N'utilisez que les notes de l'accord. Une fois les 2 mélodies créées, effacez les accords du bas et écoutez le résultat.

• Même exercice, mais avec l'extrait 4, qui contient des portées pour créer 3 mélodies. Veillez à répartir les notes entre les mélodies. Veillez à séparer les hauteurs des différentes mélodies (une mélodie grave, une moyenne et une plus aiguë). Une fois l'exercice terminé avec une progression, effacez les accords et écoutez le résultat. Comme il y a trois voix différentes, vous pourrez entendre l'effet de l'accord, mais cette fois, il est réparti sur 3 instruments différents.

• Même exercice, mais avec l'extrait 5 qui contient 4 portées pour des mélodies. Utilisez les progressions d'accords de 4 sons.

• Il arrive couramment qu'une mélodie utilise des autres notes que celles de l'accord en cours. Ces notes sont appelées des notes de passage. Elles donnent plus de liberté aux mélodies en leur permettant de passer d'une note de l'accord à l'autre. Ces notes servent de transition et ne sont pas entendues très longtemps (croches ou noires pour nos exercices). Effectuez à nouveau l'exercice précédent mais en utilisant de temps à autre des notes de passage. Placez-les surtout sur le second et le quatrième temps de la mesure et utilisez des noires ou des croches comme valeurs rythmiques. Vous remarquerez qu'elles enrichissent la mélodie.

• Refaites à nouveau les quatre exercices précédents en utilisant des rythmes différents. Utilisez des cellules rythmiques parmi :

• 4 noires,
• 1 blanche + 2 noires,
• 1 blanche pointée + 1 noire,
• 1 blanche + 1 noire + 2 croches,
• 3 noires + 2 croches,
• 2 noires + 4 croches.

Vous pouvez utiliser des notes de passage. Vous pouvez également imaginer des autres rythmes vous-même et les utiliser.

• Jusqu'à maintenant, nous avons utilisé un accord par mesure. Rappelez-vous que nous avions associé une durée d'une ronde aux accords. Prenez une des progressions et modifiez ses options pour l'associer à une blanche. Créez ensuite une cellule rythmique d'une blanche répétée à l'infini et glissez-la dans l'extrait 5, à la dernière portée (première mesure). Les accords apparaissent en blanches. En effectuant un double clic sur la progression avec la touche SHIFT maintenue, vous arrivez au dialogue vous permettant d'indiquer pour chaque accord, la durée en multiples de blanches. Modifiez quelques progressions de cette manière. Utilisez des durées plus courtes pour les degrés II, III, VI et VII et des plus longues pour les degrés I, V et IV. Ensuite, vous pouvez refaire les exercices précédents.

Chaque élément ajouté à l'exercice va vous donner plus de liberté d'expression. On peut imaginer des quantités d'exercices pour développer la technique de composition. Les accords, les mélodies, les rythmes ou les sonorités peuvent toutes servir de point de départ à une inspiration musicale. Il y a souvent un ou deux éléments qui forment le départ d'une idée musicale. Vous chantez par exemple quelques notes et vous trouvez que celles-ci sonnent très bien. Vous encodez cette petite mélodie et vous essayez de trouver quel rythme pourrait la renforcer, quels accords pourraient la soutenir et quels instruments pourraient la rendre plus expressive. D'étapes en étapes, vous élaborez votre morceau, vous le structurez, vous répétez plusieurs fois le thème principal avec des familles d'instruments différentes et des variantes d'accompagnement, vous introduisez des thèmes secondaires qui sont liés au principal, etc. C'est ce que l'on appelle développer une idée musicale. La majorité des oeuvres du répertoire classique sont basées sur un tel développement d'une idée de départ.

Générer des mélodies à l'aide des librairies

Lorsque vous avez une progression d'accords, vous pouvez puiser des éléments de rythmes et de mélodies dans les documents Librairie de mélodies.piz et Librairie de rythmes 44.piz. Voici les étapes vous permettant de les mettre à profit pour composer des extraits musicaux et des accompagnements :

• Déterminez un ensemble d'instruments qui vont s'exprimer. Cela peut être un ou deux instruments ou même tout un orchestre symphonique. Commencez néanmoins par un petit nombre d'instruments. Créez la partition à partir des modèles d'orchestre ou de variétés et ajoutez les mesures nécessaires.
• Glissez ensuite une progression d'accords dans la mesure 1 de la portée 1. Dans les options des librairies, indiquez que la progression d'accords se trouve dans la première portée.
• Pour un instrument à la fois, choisissez des cellules rythmiques et glissez-les dans les mesures de l'instrument. Ajoutez ensuite les éléments de mélodies. Générez les notes de la partition si ce n'est pas automatique et écoutez le résultat sonore. Corrigez et modifiez les éléments de librairies afin d'orienter le style.
• Veillez à garder une bonne cohérence entre les instruments. Toutes les règles exprimées dans cette leçon restent valables. C'est à vous d'orienter les librairies musicales pour obtenir de la cohérence.
• Modifiez les options de chaque élément des librairies de Pizzicato. Créez des nouveaux éléments. Expérimentez beaucoup de possibilités différentes et vous finirez par découvrir des structures très riches et agréables à écouter. Vous pourrez y trouver des idées de mélodies et de rythmes. Ensuite, utilisez ce que vous avez appris dans cette leçon et les précédentes pour développer les éléments intéressants.

L'instrumentation et les effets

Le choix des instruments affecte très fort le résultat sonore de l'oeuvre. Avec la vue instruments, vous avez un outil très facile pour effectuer des essais de sonorités. Vous pouvez faire jouer un passage et tester différents timbres d'instruments pour repérer celui qui sonne le mieux.

Jouez également sur un équilibre des volumes sonores. La vue instruments vous offre une configuration où vous pouvez régler séparément les volumes, la balance (position droite / gauche), la réverbération ainsi que d'autres effets. Utilisez-les pour enrichir l'instrumentation..

Utilisez également les symboles de nuances (f, ff, p, mf, cresc., decresc,...) pour créer des contrastes d'intensité. Modifiez parfois le tempo en fonction de ce que vous désirez exprimer. Utilisez pour cela les diverses palettes d'outils.

Règles générales pour la composition

Voici une série de conseils pratiques que vous pouvez utiliser pour composer.

• Avant tout, votre musique doit communiquer quelque chose. Cela peut être une émotion, une impression, une atmosphère, un espoir, de l'amour, une idée, un objet,... Peu importe ce que c'est, mais c'est vous qui communiquez avec votre public, grâce à votre musique. L'art, c'est la communication. Si vous n'avez rien à communiquer à votre auditeur, alors la composition restera un simple exercice théorique sans autre but. C'est votre communication qui doit rester le maître et les techniques de composition doivent s'y soumettre. Faire le contraire revient à mettre la charrue avant les boeufs. Lorsque votre désir de communiquer vous inspire un effet sonore qui la transmet à votre satisfaction, utilisez-le, peu importe les règles que cet effet ne respecte pas. Dans ce but, nous vous conseillons de pratiquer régulièrement l'exercice suivant :

• Trouvez ou inventez quelque chose à communiquer. Cela peut être presque n'importe quoi. Prenez les idées les plus banales ou les plus originales et écrivez sur papier en quelques phrases ce que vous voulez exprimer. Cela peut être "Aujourd'hui tout va bien et les petits oiseaux chantent" ou "Mon chat vient de faire un bond très élégant. Je voudrais exprimer ce bond sous une forme musicale" ou encore "Ah les vacances à la plage, je vais m'en souvenir et l'exprimer en musique". Vous pouvez aussi prendre des émotions et les exprimer au travers d'un extrait musical. Prenez par exemple : l'apathie, le chagrin, la peur, la colère, l'ennui, l'intérêt, l'enthousiasme, la joie, la sérénité. Vous pouvez aussi prendre deux émotions (une négative et une positive) et composer un morceau qui exprime une transition progressive entre les deux. Il y a une infinité de choses que vous pouvez communiquer avec la musique. Pensez également au public ou aux personnes à qui vous voudriez communiquer ce message. Selon que vous vouliez communiquer quelque chose à des jeunes enfants, à des adultes ou à des adolescents, les moyens d'expression mis en oeuvre peuvent être très différents. Pour que votre message passe, il faudra tenir compte de la réalité et du vécu de votre public.
• Avec votre sujet et votre public bien en tête, recherchez un élément qui selon vous exprime ce message. Cela peut être une cellule rythmique, un ou plusieurs accords, une mélodie, une sonorité d'instrument,... Pour rechercher, il n'y a pas de formule mathématique toute faite. Vous pouvez stimuler votre inspiration en pensant au sujet et en essayant divers rythmes, sonorités, mélodies, accords ou toutes combinaisons de ces éléments.
• Laissez-vous aller et surtout ne détruisez pas vos idées avant même de les exprimer. Un raisonnement du genre "Peut-être que ce rythme va bien exprimer ceci et..., oh et puis non, personne n'y comprendra rien et ils vont croire que je suis nul en musique et, ...bla bla bla" ne vous mènera qu'à arrêter la composition.
• C'est probablement la barrière la plus courante pour une personne qui fait ses débuts dans l'art. La peur d'être ridicule, de paraître maladroit ou de ne pas être "doué" empêche beaucoup de gens de se lancer dans l'art. N'hésitez pas à vous exprimer, même de manière maladroite au début. C'est normal et il ne faut pas vous attendre à créer un oeuvre extraordinaire dès les premières heures de composition (quoique cela pourrait arriver, vous êtes peut-être plus doué que vous ne le pensez...). Avec pratique et persévérance, vous arriverez à exprimer ce que vous voulez. Personne n'a jamais publié les premiers exercices de composition de Mozart, Bach ou Ravel. Eux aussi ont fait leurs débuts (et ils n'avaient pas d'ordinateur...).
• Dès que vous avez un ou plusieurs éléments qui expriment votre message, utilisez-les et développez-les. Si l'élément est un rythme, trouvez quelle mélodie pourrait renforcer l'effet de ce rythme, tout en gardant l'expression de votre message. Cherchez les accords qui pourraient bien soutenir l'ensemble. Testez et écoutez les diverses sonorités d'instruments. Construisez de cette manière votre morceau. Au début, ne le faites pas trop long (8 à 16 mesures). Progressivement, vous pourrez augmenter la longueur, car effectuer un long développement d'une idée demande de la pratique et une bonne maîtrise des techniques de composition. Développez l'idée de départ en gardant à l'esprit votre message et votre public, ce qui va augmenter la cohérence de l'ensemble.

• Gardez constamment l'attention de votre auditeur en éveil, par l'ajout de nouvelles idées, développements et changements. Vous pouvez transposer une mélodie, une suite d'accords. C'est un changement, mais qui reste cohérent avec la mélodie originale. Vous pouvez ralentir ou accélérer le même rythme, faire dialoguer des instruments de sonorités différentes, créer des répétitions de mélodies ou de rythmes, étendre, déplacer ou rétrécir la tessiture du jeu des instruments, utiliser des percussions, synchroniser ou opposer des mélodies,... Le nombre des effets est vraiment immense et il suffit de vous laisser aller et d'expérimenter.

• Mettez l'accent sur la cohérence de l'oeuvre. C'est ce qui fait que votre morceau de musique est organisé. Il faut pouvoir établir des liens entre la plupart des éléments. Ces liens peuvent être par exemple :

• une progression d'accords qui harmonise les mélodies,
• des rythmes similaires, opposés ou inversés,
• des mélodies similaires, opposées ou inversées,
• des répétitions d'accords, de rythmes ou de mélodies,
• une synchronisation ou une opposition des différents rythmes,
• des effets sonores (percussions, sons de synthétiseurs,...),
• des rythmes, mélodies et sonorités qui se répondent,
• des contrastes d'intensité, de rythmes, de mélodies ou d'accords.
• etc.

Ces liens établissent une cohérence et obtiennent l'accord de votre auditeur, car celui-ci peut prévoir dans une certaine mesure le déroulement de l'oeuvre et cela l'aide à comprendre votre musique et à recevoir votre message. Ayant compris votre musique et reçu votre message, l'auditeur va pouvoir aimer et apprécier votre musique selon ses goûts.

• Créez des contrastes dans les effets sonores. Un passage très fort est mieux mis en évidence s'il est entouré par des passages très doux. Un passage rapide ressort mieux s'il est précédé par un passage lent. Une mélodie ressort mieux si elle est suivie ou précédée d'un silence. Vous pouvez trouver encore bien d'autres exemples de ce genre. En créant des contrastes, vous maintenez l'intérêt de l'auditeur et vous pouvez mettre des éléments en évidence de cette manière. Veillez à ce que ces contrastes aient malgré tout un lien commun pour la cohérence de l'oeuvre.

• Equilibrez le spectre sonore. Si les 3/4 de vos instruments jouent sur l'étendue d'une même octave, il est probable que le résultat sonore sera plutôt embrouillé et l'auditeur ne pourra pas distinguer les instruments. Si vous voulez faire ressortir un instrument, veillez à ce que les autres instruments ne jouent pas dans la même tessiture en même temps. Contrastez également le spectre sonore de vos instruments en créant des réponses entre les familles d'instruments et les tessitures différentes.

• Au début, limitez volontairement le nombre d'éléments qui entrent en jeu dans vos compositions. Progressivement, lorsque vous maîtrisez quelques éléments, ajoutez-en d'autres. C'est l'idée qui est à la base des exercices de composition de ce cours : partir avec peu de matière première, apprendre à la manipuler et ensuite augmenter les possibilités et s'y habituer, etc.

• En utilisant les librairies de rythmes et de mélodies, veillez à personnaliser et trier ces éléments pour qu'ils transmettent votre message. Il ne faut pas s'attendre à ce que l'ordinateur le fasse à votre place. Composer, ce n'est pas simplement jeter des notes, des rythmes et des accords dans une partition. Il faut organiser ces éléments en un tout cohérent qui transmet votre message, et cela, vous seul en êtes capable. Bonne route et amusez-vous bien !

PS : Envoyez-nous de temps à autres vos compositions. Nous serons très heureux d'écouter ce que vous avez composé à l'aide de Pizzicato !